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quarta-feira, 28 de agosto de 2013

Paixão x Você





...A paixão me ensinou a delimitar espaços, vãos entre a saudade e o encontro, brechas entre o que somos e o que jamais seremos. Me ensinou a contar o tempo, as letras, os dias. Me ensinou a agonia de uma palavra que perdeu o fôlego. (Demarcou caminhos pra ganhar alguma força, mas, se perdeu nos vazios de seus não-lugares). Na paixão, qualquer reciprocidade nunca valerá a pena, a insônia, a espera, o peito engarrafado, a frase engolida. O todo é sempre pouco, porque nada supera a expectativa que alimentamos. Paixão, depois de inúmeras tentativas, dá preguiça — antes do começo, nos finaliza. E é aqui que o Amor entra, ou, é aqui que você respira com uma melhor desenvoltura: no meu cansaço; no meu inimaginável. Amar é acreditar em uma nova vida com desprendimento e conforto. Ressurgir de. Liberdade. Ir e vir, sem quando nem onde. Aqui ou ali. Não se sabe os porquês — nem se vai durar muito tempo. Amar é conviver em paz com a liberdade do não-saber (o que caberá ao fim, ao além-do-instante, ao que costuma inventar eternos).

O Amor me ensinou as dobraduras do tempo. Me ensinou as asas que coloquei nessa oração: eu te quero. Bem-querer que ainda voa livre. E abençoa a vida que nem vivi ainda.

Priscila Rôde


http://www.priscilarode.com/

domingo, 25 de agosto de 2013

"Esta tarde vi llover"




“The American dream is still something that we have to work toward "...



http://www.nytimes.com/interactive/2013/08/24/us/march-on-washington-original-coverage.html?_r=1


ANALYSIS: Celebrations of ‘I Have a Dream’ speech obscure its critiqueYonat Shimron and Adelle M. Banks | Aug 23, 2013 |


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(May 10, 1963) The “Big Three” of the civil rights movement put their heads together here just before releasing a statement that accord had been reached on their grievances. (Left to right) The Rev. Martin Luther King, Jr.; the Rev. Fred Shuttleworth; the Rev. Ralph Abernathy. Religion News Service file photo

This image available for Web and print publication. For questions, contact Sally Morrow.



(RNS) It may be the most famous speech of the 20th century.

Millions of American schoolchildren who never experienced Jim Crow or whites-only water fountains know the phrase “I have a dream.”

And many American adults can recite from memory certain phrases: the Rev. Martin Luther King Jr.’s use of the prophet Amos’ vision of justice rolling down “like waters and righteousness like a mighty stream,” or the line about children being judged not by “the color of their skin but the content of their character.”

Emblazoned on T-shirts, reprinted on posters and in textbooks, the speech has become an iconic part of the American experience. As the 50th anniversary of the March on Washington approaches Wednesday (Aug. 28), many Americans will participate in a series of events, including a commemorative march on Saturday.

To many in this country, “I have a dream” has a place of honor next to the Declaration of Independence, the Emancipation Proclamation and the Gettysburg Address. It celebrates the lofty ideals of freedom.

Over the years, the speech has become part of the nation’s civil religion — a set of beliefs, and rituals that are partly religious and partly political and inform the country’s core values of freedom, equality and rule of law.

Its place in America’s common creed is perhaps best symbolized by the oversize statue of the slain civil rights leader on the National Mall, not far from the Lincoln Memorial where he delivered his famous oration.

But scholars say it would be a mistake to celebrate the speech without also acknowledging its profound critique of American values.


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(1963) A truce in Birmingham’s racial strife comes as the Rev. Martin Luther King Jr. and associates call a temporary halt to mass demonstrations and “freedom marches” in the Southern city. King said he believed honest attempts were being made by white business leaders to settle racial differences. With him are the Rev. Fred L. Shuttlesworth, head of the Alabama Christian Movement for Human Rights (second from right), and the Rev. Ralph D. Abernathy, King’s chief assistant. Religion News Service file photo

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“On the one hand, he appeals to Scripture and the Constitution,” said Josef Sorett, professor of religion and African-American studies at Columbia University. “At the same time he’s also critiquing those texts because the nation has not lived up to what it professes to be.”

King begins his speech “Five score years ago” echoing Lincoln’s famous “Four score and seven years ago” from the Gettysburg Address.

He then talks of coming to the nation’s capital to cash a check, a promissory note that the country owes blacks because of the Declaration’s promise that all men are created equal and have inalienable rights to life, liberty and the pursuit of happiness.

But there’s a subversive subtext in that promise; the founders never envisioned equality for African-Americans.

“King embraces American values not to celebrate it, but to point out that we’ve never fulfilled those values,” said Jonathan Rieder, a sociologist at Barnard College and the author of “Gospel of Freedom: Martin Luther King, Jr.’s Letter from Birmingham Jail and the Struggle That Changed a Nation.”

“He’s saying if you believe these things, then you have to act to cure your sinfulness.”

Historians of the era say King was angry with government, churches and society for their unwillingness to challenge black inequality. But as he prepared his speech on the Mall, he had to dial it back for pragmatic political reasons, including the Kennedy administration’s initial opposition to the march.

“King didn’t want to do anything that was going to spoil the chances of the civil rights bill or create a backlash with Congress,” said Rieder.

And so he wrote the address with Congress and Northern white supporters in mind.

Like other statesmen before him, he frames the struggle to achieve equality in religious terms, by invoking the book of Exodus, the account of God guiding the Israelites out of slavery in Egypt and toward the Promised Land.

“One hundred years later, the Negro is still languishing in the corners of American society and finds himself an exile in his own land,” King said.


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A young usher, holding cap at right, stands solemnly with religious, civil rights and labor leaders on the platform in front of the Lincoln Memorial during the national anthem at the opening of the March on Washington for Jobs and Freedom program on Aug. 28, 1963. Five of the 10 chairmen of the march also on the platform were, from left to right: Whitney M. Young Jr., executive director of the National Urban League; the Rev. Martin Luther King Jr., president of the Southern Christian Leadership Conference; Walter P. Reuther, president of the United Automobile Workers Union; the Rev. Eugene Carson Blake, chief executive officer of the United Presbyterian Church in the U.S.A., and acting chairman of the National Council of Churches’ Commission on Religion and Race; and, second from right, Rabbi Joachim Prinz, president of the American Jewish Congress. Religion News Service file photo

This image available for Web and print publication. For questions, contact Sally Morrow.



But in the second and most popular part of the speech, King abandoned his careful notes and swerved into a call-and-response motif from the black church — the “I have a dream” sequence.

Scholars say this dream sequence did not originate in Washington. King had delivered versions of it in such cities as Rocky Mount, N.C., and Detroit. It was a part of his repertoire that year.

Invoking the biblical prophets Isaiah and Amos, the sequence marks a shift toward the future where King invokes God’s vision for America.

Just as the prophets were called seers, “one has the sense King is seeing things the rest of the country can’t make out,” said Richard Lischer, professor of preaching at Duke Divinity School who wrote a book on King. “He’s looking out on the horizon with a prophetic imagination we don’t have.”

In that famous sequence, King sees a future where the descendants of former slaves and former slave owners can share a meal, where white and black children can walk together as brothers and sisters.

Neither of those things was possible in 1963, especially in the South with its segregrated restaurants, schools, movie theaters, basketball courts and swimming pools.

“The celebration of ‘I have a dream’ often has as its condition a failure to take seriously the prophetic vision that was central to King that was not comforting, was not convenient, was full of rebuke and didn’t celebrate the nation,” said Rieder.

And while some might point to President Obama’s election as proof that the dream has been realized, many scholars point to disparities between whites and blacks in education, employment and incarceration as proof that there’s still a lot of work to be done.

The speech is even more significant now, said Lewis Baldwin, a professor of religion at Vanderbilt University “because poverty is much more pervasive than it was in King’s time. Homelessness is much more pervasive than the problem was in King’s time.”

“The American dream is still something that we have to work toward and we have to struggle for,” added Baldwin. “We have to be on a mission to achieve it.”

KRE

/AMB END SHIMRON

http://www.religionnews.com/2013/08/23/analysis-celebrations-of-i-have-a-dream-speech-obscure-its-critique/

Willow Weep for Me with Victor Duran Big Band - Claudia Acuna


sábado, 24 de agosto de 2013

Aquele Abraçaço





Caetano encerra o ciclo "Cê" com o disco "Abraçaço"
(Foto: Rodrigo Sombra/www.rodrigosombra.com)


POR CLAUDIO LEAL

Você pode observar Caetano Veloso no palco e nem perceber que o homem harmonizado pelo canto retornará, em breve, à instabilidade da criação de um novo ciclo, depois de decretar o fim da trilogia "Cê", iniciada há sete anos, quando se renovou ao lado da banda formada por Pedro Sá, Marcelo Callado e Ricardo Dias Gomes. Muitos artistas encaram esse futuro movediço com melancolia, pânico ou auto-medicação, mas esse é o tipo de problema que parece esquentar as noites do compositor baiano. O disco "Abraçaço", transformado em show em 2013, retoma a força original de "Cê” e espalha inovações e reincidências.

É prazeroso notar que a balada de veio mais pop, "Gayana", a faixa final do disco, tenha sido composta por Rogério Duarte, o mago essencializador do legado do Tropicalismo. Mas, pelo início. Como num roman à clef, "A Bossa Nova é Foda" constrói uma mitologia repleta de chaves, a começar pelo "Bruxo de Juazeiro" (João Gilberto), o desencadeador da viravolta do caráter triste (entre aspas) do brasileiro. Num refinamento de sua posição histórica de credenciar as potencialidades do Brasil no mundo, Caetano sacode a aparente suavidade da Bossa Nova para tornar mais nítido o ato inaugural de uma nação afirmativa, traumatizada por músicos e lutadores de MMA, puxados na letra pelo peso-pesado Minotauro, o baiano Antonio Rodrigo Nogueira:

"O velho transformou o mito
Das raças tristes
Em Minotauros, Junior Cigano
Em José Aldo, Lyoto Machida
Vítor Belfort, Anderson Silva
E a coisa toda:
A Bossa Nova é foda".

O temperamento de ensaísta manifesta-se nessa canção e outra vez em sua obra: o "mito das raças tristes" conduz ao "Retrato do Brasil" (1928), de Paulo Prado, um clássico da investigação de nossa "tristeza", presente há tempos no campo de suas intervenções.

Em "Verdade Tropical", no capítulo "Back in Bahia", Caetano absorve e questiona o Retrato: "Paulo Prado atribui a 'tristeza' do nosso povo (que ele vê confundida com nossa incapacidade de organização social e progresso econômico) à luxúria que dominou a vontade dos primeiros europeus aqui chegados: os poucos portugueses deixados sem mulheres brancas ‘numa terra radiosa’ sucumbiram à complacência das nativas e geraram a prole brasileira inaugural sob o signo da mestiçagem e da permissividade". Conforme Prado, "tudo o que caracteriza aos olhos do mundo uma alegada alegria brasileira não passa de sintoma da causa de nossa tristeza". Esse Brasil mestiço (examinado pelas gerações intelectuais dos anos 20, 30 e 40) é remexido pelo compositor em seus questionamentos à política de cotas nas universidades públicas, mais detidamente ao que chama de "americanização" do debate sobre as raças.

Talvez seja o caso de alguma tristeza particular a atmosfera da música “Estou triste”, monocórdica e melancólica, adensada e desalentadora, sensorial – uma penumbra: “Estou triste tão triste/ E o lugar mais frio do Rio/ É o meu quarto”. De íntimo corte, a canção não se impõe como uma visita recente da tristeza, que é também a condutora de “London, London” (1971), “Mãe” (1978), “Ela e Eu” (1979), e “Minhas Lágrimas” (2006), em fases distintas. E na raiz irreconhecível de sua tristeza há, sobretudo, perdas e lacunas. No show, Caetano resgata “Mãe”, originalmente gravada por Gal, mas somente agora levada ao palco pelo músico, por décadas esquivo à ideia de recordar os dias de “quase depressão” em que a compôs, no final dos anos 70. Em março de 2010, superou esse temor no lançamento das obras completas de Sigmund Freud pela Companhia das Letras, em São Paulo, atendendo ao apelo do tradutor Paulo César de Souza. Ganha um significado largo por ser entoada na primeira turnê do artista após a morte de sua mãe, Canô Veloso: “Meninos, ondas, becos, mãe/ E, só porque não estás/ És para mim e nada mais/ Na boca das manhãs”.

Dedicada ao guerrilheiro Carlos Marighella, “Um comunista” cresce em dramaticidade no show, para emergir o traço recitatório. O tributo poderia ser um corpo estranho ao conjunto do disco, não fosse ele uma outra narrativa mítica, coalhada das experiências de Caetano nas quadras da esquerda. O leitor de“Verdade Tropical” não se surpreendeu com sua admiração declarada por Marighella, morto em 1969 pela repressão militar. “Acompanhávamos de longe o que se passava no Brasil. Sem que eu estivesse certo do que poderia resultar de uma revolução armada, o heroísmo dos guerrilheiros como única resposta radical à perpetuação da ditadura merecia meu respeito assombrado. No fundo, nós sentíamos uma identificação à distância, de caráter romântico, que nunca tínhamos sentido com a esquerda tradicional e o Partido Comunista”, confessa Caetano. Entram outros componentes nesse enredo: o rompimento de Marighella com o PCB coincide, de alguma forma, com a recusa dos tropicalistas aos dogmas da esquerda cultural atrelada a Luiz Carlos Prestes. Os desvios autoritários do comunismo estão no centro do impasse: “Ó mulato baiano/ O samba o reverencia/ Muito embora não creia/ Em violência e guerrilha/ (Tédio, horror e maravilha)”. Por trás do “respeito assombrado”, havia os estilhaços do impacto da Revolução Cubana e uma crença residual no personalismo épico dos guerrilheiros latino-americanos.

Os flashes autobiográficos, jamais negados por Caetano, são pinçados em sucessivas audições de “Abraçaço”, e mais fortemente nas faixas “Vinco” e “Quando o galo cantou”, não por acaso as de aroma sexual, sendo a primeira de evocação hispânica e de musicalidade construída na letra, com versos metrificados (decassílabos), rimas internas e belíssimas aliterações (“Ásperos passos, pássaros sem fio”). Mesmo na citação ao Vinicius de Moraes de “Medo de amar”, em “Funk Melódico” (“Prova que o ciúme é só o estrume do amor”), preservou-se a quantidade de sílabas do original “perfume”, trocada por “estrume”. Esse manejo o faz incomum no território da “poemúsica”. O poeta Eucanaã Ferraz, na abertura da coletânea “Letra só” (2003) – que exige nova edição, ampliada, com as canções dos anos de “Cê” e de “Recanto” – reconhece o transbordamento das fronteiras: “As letras de Caetano davam uma medida valiosa para a poesia escrita e para a canção: versos de pulsação acelerada, colagem, cosmopolitismo, brasilidade, dança, corpo; entrada e saída rápida de desejos, fracassos e alegrias”.

“Abraçaço” estimula algum papo sobre o cromatismo das letras de Caetano Veloso, ao menos numa camada de fundo, embora seja evidente que o autor de “Trem das Cores”, “Rai das Cores” e “A Cor Amarela” (enfim, de “Cores e Nomes”), efusivamente policromático em outras travessias, agora reduz a força e a incidência de cores. Ainda intenso é o azul, quase que extraviado em “Um abraçaço” (“Nossas lentes e azuis”) e “Quando o galo cantou” (“Deixa esse ponto brilhar no Atlântico Sul/ Todo azul”); claro, há “vermelha e rosa de pétala íntima”em “Vinco”. Esse recorrente assombro com o azul, que faz qualquer um tirar da cartola poetas tão díspares quanto Mallarmé e Carlos Pena Filho, assume uma missão de imanência em Caetano, este lavrador do “azul que é pura memória de algum lugar”. Enquanto esmaecem as cores, as imagens arrombam a porta: “Ter olho no olho do jaguar,/ Virar jaguar”. A transa com a música eletrônica, na produção artística do disco de Gal Costa (“Recanto”), embute o desejo de tratar os sons como quem trata as tintas de uma pintura, reconhece Caetano.

No intervalo entre a produção de Gal e a feitura de "Abraçaço", achegou-se à obra do cantor e compositor britânico de música eletrônica, James Blake. Numa conversa realizada depois do lançamento do último disco, em dezembro de 2012, Caetano repassou a experiência com "Recanto" e analisou em específico a canção "Autotune autoerótico", que se refere ao processador de áudio Auto-Tune, corretor de deslizes na voz: "O que a letra daquela música quer dizer é que o Auto-Tune não basta, o que você precisa é usar todos os recursos de uma maneira inspirada… O Auto-Tune é uma dessas coisas que vieram mais depois da captação digital, então você pode controlar a afinação e mexer nas notas. Agora, você pode trabalhar a partir de um pensamento que conta com isso, e sua inspiração já contar com isso é você criar coisas maravilhosas, entendeu? Por isso, na gravação da Gal, a gente usa um pedaço propositadamente. E o James Blake faz isso divinamente. Ele já canta assim. A minha ideia não é naturalista, de que a pessoa só é verdadeira se cantar com a voz. Assim, você vai ter que chegar perto da pessoa sem nem um microfone, para ser a voz da pessoa. Não se trata disso”.

“Se você ouvisse (a gravação de um artista) nos anos 50, 60 e 70 ainda, dizia: 'Fulana é afinada, canta muito afinado'. Hoje em dia você não tem certeza se a pessoa canta afinado mesmo ou se foi corrigido no Auto-Tune”, desdobrou o compositor, avançando na definição do uso das novas tecnologias de áudio no instante criador: “A gente tem que se virar com os problemas que aparecem e isso traz também uma nova vantagem de poder fazer como James Blake faz. E ter inspiração no modo de interpretação, de cantar, contando com os efeitos. Mas tem que saber fazer. Já ouvi muitas gravações em que o Auto-Tune é usado. A voz fica afinada, mas não tem beleza nenhuma. Não tem inventividade nenhuma. Outras têm. E têm porque contam com o Auto-Tune".

A trilogia “Cê” é uma nítida intervenção crítica de Caetano Veloso na música brasileira. Pode-se ressaltar que o conceito dessa fase se manifesta melhor no princípio e no fim, quer dizer, nos discos de 2006 e de 2012. Dos “transrocks” aos diálogos com o pagode e o funk, insiste em percorrer caminhos hostilizados pela “inteligência” (classificação vaga, mas cabível aos ortodoxos pregadores do bom gosto) e re-existe entre forças destinadas a confrontar o nicho em que tentam cristalizá-lo – a ele e a sua geração. É Tropicália e além. Nesses mergulhos, Caetano vira um contraponto de uma cena de “Blow Up”, de Michelangelo Antonioni, na sequência em que o personagem de David Hemmings cruza de olhar mortiço uma apresentação dos Yardbirds e, apesar de tragado por um tumulto, dela consegue escafeder-se sem arranhões. Dentro e fora da canção, Caetano se embrenha e se arranha; desde Glauber Rocha, não há artista brasileiro tão disposto a expor seu itinerário mental em entrevistas, farpas e artigos, arriscando-se a mancadas, aulas de gramática, acertos e opiniões corajosas, fiéis a uma complexidade mais incômoda do que indecifrável, honestamente julgando-nos adultos. “Abraçaço”, show e disco, antes que me esqueça: o prazer de cantar.


http://terramagazine.terra.com.br/bobfernandes/blog/2013/05/17/aquele-abracaco/

sexta-feira, 23 de agosto de 2013

Trocando em Miúdos - Chico Buarque


Quando eu fui...


Para não mais voltar


Publicado em 22 de agosto de 2013 por lislemos




Quando eu fui, fui sem fazer alarde, devagarinho, mas com passos firmes de quem sabia que era chegada a hora de ir. Fui para não mais voltar.

Quando eu fui, fui na calma de quem sabe o caminho a seguir. Sem estardalhaço, sem gritos, sem cena. Eu saí de cena.

Quando eu fui, não fui lamentando o que ficou para trás. Nem mesmo pensei que tinha demorado a ir. Quando eu fui, fui na hora certa, no exato instante. Não fui com a impressão de que já ia tarde, embora tenha esquecido a carteira de identidade.

Quando eu fui, não fui pensando na dor, na mágoa, nas feridas. Eu fui pensando na alegria que me aguarda, no conforto que me espera. Na paz que anseio.



‘eu bato o portão sem fazer alarde’


Quando eu fui, não fui para deixar você. Fui para me encontrar comigo mesma, para me abraçar de novo, me acalentar. Fui para não ter vergonha dos meus desejos, da minha vida.

Quando eu fui, eu fui a tempo de ainda poder gostar de você. Eu fui para não te odiar, para não me odiar. Eu fui para relembrar que não é possível ser feliz sem mim. Eu fui para continuar sendo quem sou.


http://biscatesocialclub.com.br/

quinta-feira, 22 de agosto de 2013

Peel Me a Grape - Diana Krall -


Carybé





Carybé: o amor pela Bahia expressado nas obras de arte


Hector Julio Paride Carybe, conhecido popularmente e artisticamente como Carybé, foi um importante artista plástico (pintor, gravador, escultor, ceramista, ilustrador e desenhista) argentino, naturalizado brasileiro. Nasceu na cidade argentina de Lanús em 7 de fevereiro de 1911, e faleceu em Salvador (Bahia) em 2 de outubro de 1997. 


Apaixonado pela Bahia, Carybé tornou-se conhecido com suas obras que valorizavam a cultura baiana, os rituais afro-brasileiros, a capoeira, as belezas naturais e arquitetônicas da Bahia.












Enviado a Salvador pelo jornal “Prégon” em 1938 (disse ele: “me deram o melhor emprego do mundo – viajar e mandar desenhos. Mas quando cheguei a Salvador, o diário tinha falido”), acaba ficando desempregado e faz uma viagem por todo o litoral norte do Brasil.













 "Foi a sopa no mel. Nunca mais fui embora. A Bahia tem tudo que um pintor procura: luz, água e mar aberto. A gente vê o corpo humano funcionando"



quarta-feira, 21 de agosto de 2013

A meu favor...

A meu favor
Tenho o verde secreto dos teus olhos
Algumas palavras de ódio algumas palavras de amor
O tapete que vai partir para o infinito
Esta noite ou uma noite qualquer

A meu favor
As paredes que insultam devagar
Certo refúgio acima do murmúrio
Que da vida corrente teime em vir
O barco escondido pela folhagem
O jardim onde a aventura recomeça.

A meu favor tenho uma rua em transe
Um alto incêndio em nome de nós todos

Alexandre O'Neill
(19 de Dezembro de 1924 -21 de Agosto de 1986)